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Iniciado por papo1, Dic 28, 2020, 16:53:34

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EL PUEBLO DE GIRONA EN EL QUE TRUMAN CAPOTE ESCRIBIÓ 'A SANGRE FRÍA'
A principios de los años sesenta, el novelista huyó del caos de Nueva York y se instaló en una hermosa casa de la Costa Brava para trabajar en su obra cumbre.
Aitana
Aitana Palomar S.
Periodista de Viajes National Geographic

ACTUALIZADO A 29 DE MAYO DE 2024

Truman Capote adoraba Nueva York: protagonizaba las mejores fiestas, conocía los secretos más insospechados de la jet set estadounidense y era el amigo y confidente de las mujeres más icónicas de la época, como su querida Marilyn Monroe. Sin embargo, el bullicio de la ciudad que tanto amaba le impedía concentrarse en su escritura. Y Truman Capote sabía que necesitaba tiempo y calma para encomendarse a la redacción de la que se convertiría en su novela más célebre: A sangre fría.


De ahí que, en la primavera de 1961, el escritor decidiera hacer las maletas y subirse al trasatlántico Flandre para viajar hasta el otro lado del Atlántico, junto a su pareja, Jack Dunphy. Ambos desembarcaron en Le Havre, atravesaron Francia en coche durante cuatro días y, el 26 de abril de 1960, llegaron a Palamós, un pequeño pueblo de la Costa Brava catalana en el que se instalaron para pasar unos meses dedicados a la escritura.




Cala S'Agaró

AZUL COMO EL OJO DE UNA SIRENA
Durante su tiempo en Palamós, Truman Capote le escribió una carta a un amigo en la que describía su pequeño oasis literario de la siguiente manera: "Esto es un pueblo de pescadores, el agua es tan clara y azul como el ojo de una sirena. Me levanto temprano porque los pescadores zarpan a las cinco de la mañana y arman tanto ruido que ni Rip Van Winkle (protagonista de un cuento de Washington Irving que se quedó dormido 20 años bajo la sombra de un árbol) podría dormir. Pero me va bien para trabajar, n'est ce pas?".


La pareja pronto se enamoró de este hermoso rincón de la Costa Brava y acabó pasando no solo el verano de 1960, sino también los dos siguientes. En aquellos dieciocho meses, Capote y Dunphy vivieron en el Hotel Trias, en una casa situada frente a la playa de La Catifa, en el condado de Sant Jordi en Platja d'Aro, en un chalet en Sant Antoni de Calonge y, finalmente, en la masía de la Cala Sanià, construida sobre un acantilado con vistas al Mediterráneo.


Fue precisamente allí donde Truman Capote ordenó los más de 4.000 folios que conformaban el primer borrador de A sangre fría y se entregó a la creación de la gran obra maestra del nuevo periodismo estadounidense. Capote escribía únicamente desde la cama –aseguraba que no podía escribir a menos que estuviera acostado–, luego paseaba por la casa y los jardines en sus pijamas de seda, se acercaba al pueblo para ir a buscar el periódico a la calle Mayor –así se enteró de la inesperada muerte de Marilyn Monroe–, compraba dulces en la pastelería Collboní y regresaba a su casa blanca frente al mar.



palamós
UNA RESIDENCIA LITERARIA
Años más tarde, en 1966, Capote publicó A sangre fría, que rápidamente se convirtió en un éxito literario, manteniéndose durante 35 semanas en la lista de los libros más leídos de The New York Times. La historia del asesinato de la familia Clutter en un pequeño pueblo de Kansas conmovió a lectores de todo el mundo y encumbró a Truman Capote como uno de los escritores más reconocidos de la segunda mitad del siglo XX.


La casa en la que gestó dicha obra es, actualmente, una residencia literaria gestionada por la Fundació Finestres. Cada mes, la fundación invita a cuatro escritores o escritoras a pasar unos días entre las paredes que cobijaron a Truman Capote, dándoles la oportunidad de disfrutar de la calma y la belleza de este maravilloso entorno, para trabajar en sus proyectos y dar a luz obras que sacudan el panorama literario como lo hizo A sangre fría.




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LA GARGANTA DE AGUAS TURQUESAS QUE BRILLA EN EL SUR DE FRANCIA
Considerado el segundo más profundo del continente, después del cañón del río Tara en Montenegro, este destaca por sus aguas turquesas y sus vertiginosos acantilados.

Aitana Palomar S.
Periodista de Viajes National Geographic

ACTUALIZADO A 29 DE MAYO DE 2024

En el sur de Francia, entre la Provenza y los Alpes, se encuentra uno de los escenarios naturales más impresionantes de Europa: las Gorges du Verdon o Gargantas del Verdón. Este hermoso cañón, dibujado por el río Verdon durante miles de años, atraviesa la meseta a lo largo de 25 kilómetros, serpenteando entre paredes que alcanzan los 1.500 metros de altura. Sus paradisíacas aguas turquesas y vertiginosos acantilados se pueden contemplar desde los numerosos miradores que aparecen a lo largo de la ruta, puntos ideales en los que se descubren las panorámicas más bellas de este enclave.

UNA RUTA CIRCULAR DE 140 KILÓMETROS
La ruta por las Gorges du Verdon se puede iniciar desde dos lugares: en el lado este, desde la localidad de Castellane en la Costa Azul; y desde el lado oeste, desde el pueblecito de Moustiers-Sainte-Marie, famosos por su cerámica, en Luberon. En ambos casos, la ruta circular –de unos 140 kilómetros– se puede completar en menos de un día, o bien dividirla en dos jornadas, pasando una noche en uno de los pueblos de la zona.

Desde Moustiers-Sainte-Marie, el camino empieza tomando la route des Cretes, por la D52. Siguiendo esta dirección, se pasa por más de catorce miradores, comenzando por el mirador Galetas, el mirador Mayreste y el mirador Col de l'Ayen. Unos cuantos kilómetros más adelante se llega al point sublime o punto sublime, uno de los lugares más maravillosos desde los que contemplar las vistas de las Gorges du Verdon. Después, se puede hacer una parada en Rougon, una pequeña aldea de montaña situada a poca distancia del mirador.




DE LA CORNISA SUBLIME AL LAGO SAINTE CROIX
El camino avanza, entonces, hacia el otro lado del cañón, donde se encuentra el pueblo de Trigance, conocido por su castillo medieval. Allí empieza la corniche sublime o cornisa sublime, la parte de la ruta que recorre los Balcons de la Mescla o balcones de la mezcla. En este lado del cañón, se desvela el punto en el que se unen el río Verdon y el río Artuby, un encuentro acuático que se puede apreciar desde un puente de 182 metros de altura –en el que los más atrevidos realizan puenting– o bien desde el mirador más alto de la zona, situado a 500 metros por encima del nivel del agua.

El recorrido finaliza en el grandioso lago de Sainte Croix, donde terminan las gargantas. Allí, los bañistas disfrutan de las tranquilas aguas turquesas del lago, en las que pueden realizar todo tipo de deportes acuáticos o bien alquilar un pedalo o hidropedal para descubrir las aguas del lago.


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EL PALACIO DE FLORENCIA QUE ALBERGA SIETE MUSEOS EN SU INTERIOR
Construido durante la segunda mitad del siglo XV, este hermoso edificio renacentista fue el hogar de algunas de las familias más importantes de la capital de la Toscana.

Aitana Palomar S.
Periodista de Viajes National Geographic

ACTUALIZADO A 30 DE MAYO DE 2024


Cuando Luca Pitti, un rico comerciante florentino, visitó el esplendoroso Palazzo Vecchio, decidió que construiría un edificio mucho más grande y lujoso para su familia, con la intención de ensombrecer a los Médici, propietarios del mismo. Las obras del sueño de Luca Pitti comenzaron en 1458, sin embargo, la construcción se tuvo que paralizar cuando la familia de los comerciantes se arruinó, dejando el edificio sin terminar.


Años después, Leonor de Toledo, la esposa de Cosme I de Médici, negoció con la familia Pitti la compra del palacio. La duquesa de la toscana, de origen español, adquirió el palacio a un precio muy bajo –dada la crítica situación económica de los Pitti– y prosiguió con las reformas: amplió el edificio principal, decoró las salas con bellísimas obras de arte y transformó el jardín hasta convertirlo en uno de los espacios verdes más hermosos de Florencia.

 

Cuando la familia Médici fue destituida del poder, el Palazzo Pitti pasó a manos de los Lorena, en el siglo XIX fue propiedad de la Casa de Saboya y residencia de Napoleón, tiempo después se convirtió en el hogar del rey Vittorio Emanuele II y, en 1919, su heredero, Vittorio Emanuelle III, donó el palacio al estado italiano para convertirlo en la sede de algunos de los museos más importantes de la ciudad.


ENTRE JARDINES Y OBRAS DE ARTE
Actualmente, este grandioso edificio alberga siete museos en los que se encuentran importantes colecciones de pinturas, esculturas, trajes, porcelanas y objetos artísticos e históricos. La Galería Palatina, antigua pinacoteca de los Medici, presume de tener obras de Rafael, Tiziano, Correggio, Rubens y otros grandes creadores del Renacimiento y del Barroco. La Galería de Arte Moderno contiene una amplia colección de pintura y escultura italiana, creada entre el siglo XVIII y la Primera Guerra Mundial.

Por otro lado está el Museo de los Trajes, cuya colección de 6.000 artículos de trajes del siglo XVIII al XX, es única en Italia y una de las más valoradas del mundo. En el Museo de la Plata, en el que se encuentra el antiguo "tesoro de los Médici": piedras preciosas, joyas, jarrones de marfil, porcelana china y japonesa y cristales. Y, por último, el Museo de la Porcelana, señalado como uno de los más famosos de Europa de objetos de porcelana.

Además, en el Palazzo Pitti también se pueden visitar los Apartamentos Reales, un conjunto de catorce estancias en las que vivieron la familia Médici y sus descendientes, y el Museo de los Carruajes, situado en la planta baja del palacio. El recorrido termina en el maravilloso Jardín de Boboli, un oasis de naturaleza y escultura ideal para recomponerse después de contemplar las mil maravillas artísticas del palacio.



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EL PUEBLO DE GRANADA CON SU PROPIO PANTEÓN DE AGRIPA
A la iglesia de la Encarnación de Montefrío se la conoce como «La Redonda» por su planta circular cubierta por una inmensa cúpula, que tomó de inspiración al monumento de Roma.

Asun Luján
Periodista Redactora Senior de Viajes National Geographic

ACTUALIZADO A 31 DE MAYO DE 2024


La iglesia de Nuestra Señora de la Encarnación de Montefrío aparece como una inesperada réplica del Panteón de Roma en plena serranía granadina. El templo, abrazado por la plaza de España y las callejuelas de Liñanes y Alcalá, alza su mole contundente sobre las casas de este pueblo blanco bendecido desde una peña por la iglesia de la Villa (siglo XVI) y protegido por los restos del castillo moro que corona este caserío, limitado por lomas de olivares y acomodado junto a los Montes Occidentales.


Montefrio

MONTEFRÍO MONUMENTAL
Montefrío, cuyo nombre deriva de su antiguo apelativo de «monte ferido» (monte herido), es un encantador pueblo granadino que sobresale por su ubicación, su caserío encalado y sus monumentos, como el conjunto que lo preside formado por la iglesia de la Villa del renacentista Diego de Siloé, que parece colgada del promontorio que coronan los vestigios de una fortaleza árabe.


UN TEMPLO SINGULAR
Entre su patrimonio se halla la iglesia de Nuestra Señora de la Encarnación, un templo declarado Bien de Interés Cultural, que sobresale entre los tejados con su forma de círculo perfecto, cubierto por una enorme cúpula circular también de 30 metros de diámetro, que se apoya sobre el cilindro de su estructura con altura y diámetro de igual tamaño. Sus líneas y dimensiones algo desproporcionadas para el pueblo plasman que se trata de un singular monumento importado de otros lugares y emplazado en plena sierra granadina.

 
LA REDONDA DE MONTEFRÍO
Apodada «La Redonda», este templo único en España sorprende por su perfección geométrica y la limpieza de sus volúmenes. Su origen fue consecuencia de que la antaño la única parroquia del pueblo, la iglesia de la Villa, empezó a sufrir desperfectos por las filtraciones de lluvia y los destrozos ocasionados por el terremoto de 1540 y la caída de un rayo en 1766. Todo ello, unido al cansancio de los montefrieños que tenían que subir la loma para ir a misa, llevó a plantearse la necesidad de consruir un nuevo templo en el corazón de la villa.


HITO DE LA ILUSTRACIÓN
Este insólito edificio de piedra de sillería extraída de las canteras locales de San Cristóbal y erigida en estilo neoclásico está considerada una obra ejemplar de la Ilustración española. Se llevó a cabo en solo 16 años, desde el 1786 y 1802, durante el reinado de Carlos III, siguiendo los planos del arquitecto gallego Domingo Lois de Monteagudo, discípulo del entones famoso Ventura Rodrigues. Sin embargo, la muerte de Domingo un año antes del inicio de obra, hizo que al mando estuvieran el arquitecto Francisco Aguado y el aparejador Francisco Quintillán, sobrino de Lois, que crearon esta monumental iglesia con cerramiento en cúpula de una sola piedra, cuyo único precedente se hallaba en el Panteón de Roma que tomó como modelo para su planimetría.



Montefrío
LA PERFECCIÓN DE UN TEMPLO
Adosados a la enorme base circular el templo hay dos pequeños rectángulos, uno a modo de cabecera que ocupa la Capilla Mayor, y otro en el acceso de los fieles. Precisamente en su portada principal tiene un arco de medio punto en cuya clave aparece el escudo borbónico de la época de su creación y una inscripción que afirma que «El rey nuestro señor Carlos III mandó construir este templo...». A un lado del altar Mayor se abre un espacio con la escalinata para acceder a la galería del coro; del otro la sacristía donde se guardan piezas de orfebrería, sobresaliendo un cáliz de plata y un portaviático barroco, instrumento del que el sacerdote se servía para llevar la forma consagrada hasta el lecho del enfermo; y sobresaliendo por detrás, la torre-campanario de la Encarnación.


Montefrío
LO QUE COBIJA LA ENCARNACIÓN
En esta iglesia de Montefrío se guarda y venera la imagen de la Virgen de los Remedios que, como curiosidad, sostiene al Niño en su brazo derecho y no con el izquierdo como es más habitual. El interior del templo, de 30 metros de diámetro (15 m hasta la cornisa que incluye una galería abierta y otros 15 m hasta la cúpula) es más oscuro que el monumento romano (de 43 m) porque en el caso granadino carece de claraboya superior, aunque en ambos casos destacan por sus dotes acústicas. El púlpito, que procede en realidad de la iglesia de la Villa, fue realizado en el siglo XVIII en jaspe rosado y veteado.


Montefrío
En los muros poco decorados del templo, fruto de las críticas a las prácticas religiosas que imperaban entre los Ilustrados de su época de fundación, se alternan capillas y hornacinas rematadas con arcos de medio punto, bajo los cuales hay imágenes, esculturas y retablos. Ahí se ve una imagen de la Encarnación, Santa Bárbara, San José y el Niño o la Virgen de la Leche, esta entre terciopelos rojos con bordados de finales del siglo XVI.


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LA ABADÍA ABANDONADA DE LAS CURIOSAS ESCULTURAS DE IRLANDA
La riqueza del patrimonio escultórico de este edificio religioso que transiciona del románico al gótico lo convierte en uno de los mejores conservados del país.
Foto MC
Mari Carmen Duarte
Colaboradora de Viajes National Geographic

ACTUALIZADO A 01 DE JUNIO DE 2024

Uno de los mejores ejemplos de arquitectura cisterciense medieval en Irlanda es el de la Abadía Jerpoint, ubicada en Thomastown, al sur de Irlanda. Fundada por el rey de Ossory, Donogh O'Donoghoe Mac Gilla Patraic, en los albores del año 1160, fue un par de décadas después cuando pasó a manos de los monjes de la abadía de Baltinglass. Hoy Monumento Nacional del país, alberga algunas de las esculturas, decoraciones y tallas funerarias más significativas de toda Irlanda.

GLORIA Y DECADENCIA
Los cistercienses llegaron a ser una de las órdenes religiosas más importantes de Europa. Buena cuenta de ello la dan construcciones como la Abadía de Jerpoint, donde los monjes se limitaban al estudio y a las tareas diarias, el trabajo de mantenimiento y la hospedería. Durante varios siglos, el recinto creció y floreció. Su autonomía, dada por sus jardines, molinos de agua, cocinas, establos e incluso enfermería, hizo que su población creciera hasta tener 36 monjes y 50 hermanos.


Abadía de Jerpoint
Sin embargo, la enemistad que se creó entre el rey Enrique VIII de Inglaterra y la Iglesia Católica hizo que se rompiera su relación en 1540, cuando se decidió despojar a las órdenes religiosas de sus abadías, conventos e iglesias, realizando una expropiación de las tierras para propio beneficio del país.

Así fue como la Abadía de Jerpoint fue arrendada a James Butler, el noveno conde de Ormond, y se convirtió en uno de los lugares más populares para que los nobles de la región enterrasen a sus muertos. Años después, cayó en el abandono, hasta ser considerada Monumento Nacional en 1880, abierto al público para visitas guiadas y exhibiciones.


Abadía de Jerpoint

DEL ROMÁNICO AL GÓTICO
Considerada como una de las ruinas mejor conservadas de Irlanda, la Abadía de Jerpoint esconde algunas particularidades que hacen que una visita dure más de lo que quizá se prevea en un principio. Aunque nació con un estilo románico, los años y las bondades económicas derivaron en reparaciones y renovaciones de algunas de sus partes, ya en estilo gótico.

A pesar de que la abadía es del siglo XII, el claustro y la torre de cruce cuadrada son del siglo XV, ambos añadidos posteriores a la iglesia románica, donde una leyenda local asegura que se encuentra la tumba de San Nicolás. En la torre, que hizo sus veces de campanario, se pueden ver tumbas y losas funerarias, como en muchas otras partes de la construcción, donde las tallas, grabados, epitafios, efigies, sepulturas y esculturas llaman la atención de todos sus visitantes.


Abadía de Jerpoint

MARAVILLAS ESCULTÓRICAS
La cantidad de esculturas de la abadía es curiosa si se tiene en cuenta la austeridad de los monjes cistercienses y el carácter negativo que muchos abades les conferían a este tipo de representaciones, ya que muchas de las que se encuentran en la Abadía de Jerpoint van más allá de las figuras de personas y muestran bestias tales como dragones y mantícoras, muchas de ellas con algún guiño humorístico difícil de ver en las representaciones de aquella época.

La arcada del claustro, esculpida en el siglo XV, los capiteles y las columnas de este son algunos de los lugares donde más se concentra el arte en piedra. La extravagancia de las figuras, donde se muestran cortesanas, clérigos grotescos y caballeros, algunos con pose extraña, hacen pensar que se cincelaron a imagen y semejanza de los dibujos presentes en los manuscritos medievales.


Abadía de Jerpoint

En el interior de la iglesia también puede verse la tumba de Felix O'Dullany, obispo de Ossory, representada con una serpiente mordiendo su báculo. Y no solo esta está tallada, pues son muy comunes las esculturas en las tumbas de la abadía que van de los siglos XIII al XVI. De hecho, los cofres donde yacen nobles y religiosos están decorados con los conocidos como 'llorones', como se define a las tallas de apóstoles y santos alrededor de una tumba.

Otra de las losas más curiosas del recinto es la de 'Los Hermanos', del siglo XIII, donde están grabados dos caballeros con los brazos entrelazados, uno mirando al otro, en una postura que recuerda más a las representaciones de los matrimonios. Aunque se barajan varias hipótesis de lazos sanguíneos, como pareja, padre e hijo o incluso amigo, lo cierto es que acabó bautizándose como una imagen fraternal.


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LA ESTATUA DE KAFKA QUE NO DEJA DE DARLE VUELTAS A LA CABEZA
Esta sorprendente obra es un homenaje del artista David Černý al famoso escritor checo.
Aitana
Aitana Palomar S.
Periodista de Viajes National Geographic

ACTUALIZADO A 03 DE JUNIO DE 2024

Frente a la estación de metro Národní Třída, situada entre las calles Bladislavova y Charvátova, se encuentra la escultura más famosa de Praga: K, de David Černý. Esta sorprendente estructura se instaló en 2014, después de que finalizaran las obras de reconstrucción de la estación, para servir como antesala del centro comercial Quadrio, ubicado exactamente detrás de la estatua. Con esta original propuesta, Černý quiso rendir un especial homenaje al escritor más universal de la República Checa –con permiso de Milan Kundera–, sumándose a los guiños a su obra que hay repartidos por toda la ciudad.





Kafka

UNA ETERNA METAMORFOSIS
La composición está hecha con 42 láminas móviles que pesan aproximadamente 38 toneladas, y que van rotando de forma aparentemente aleatoria, dibujando el busto de Franz Kafka. Todas las láminas pueden dar giros de 360 grados, sin embargo, la mayor parte del tiempo, están quietas, ya que la escultura únicamente se pone en marcha los 10 primeros minutos de cada hora del día.

 

David Černý, nacido en la misma ciudad que el escritor, ha desarrollado una obra con un claro sello checo, inspirándose en elementos culturales, históricos y religiosos de la República Checa, y llevándolos a otros países del mundo. De hecho, K tiene una hermana lejana en el parque tecnológico de Whitehall, en Carolina del Norte (Estados Unidos), donde luce la escultura de acero Metamorfosis, realizada años antes que K.



GUIÑO AL RELOJ ASTRONÓMICO DE PRAGA
Se ha teorizado mucho sobre el significado de la escultura, más allá del claro tributo a Franz Kafka. Algunos aseguran que representa la obra más corta y famosa del autor, La Metamorfosis, dado el carácter cambiante de la escultura. Otros creen que la obra simboliza la transformación del propio Kafka, cuya literatura no fue reconocida hasta años después de su muerte, tras la caída del régimen comunista. Hay quienes afirman que K refleja la lucha interna del escritor y su personalidad llena de dudas, que se va transformando a medida que pasa el tiempo, hasta alcanzar la completa reconstrucción. Otros incluso se atreven a adivinar que es un guiño al Reloj Astronómico de Praga, ya que K gira igual que las manecillas del famoso reloj.

 

El artista no ha confirmado ni desmentido ninguna de las teorías. Lo único que explicó en su momento es que la obra está compuesta de 42 láminas, por los 42 años que vivió Franz Kafka, entre 1883 y 1924. De todos modos, no han hecho falta más explicaciones para que K se haya convertido en la escultura más visitada de Praga y el lugar en el que está expuesta en uno de los enclaves más concurridos por los viajeros y literatos que recorren la ciudad.



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EL PUEBLO MÁRTIR DE LA II GUERRA MUNDIAL EN EL SUR DE FRANCIA

Cerca de Limoges, las ruinas de Oradour-sur-Glane permanecen como un símbolo de la memoria histórica.

Meritxell Batlle Cardona
Redactora de Viajes National Geographic

ACTUALIZADO A 04 DE JUNIO DE 2024

En la plaza central de Oradour-sur-Glane se levantan los restos de un Citroën. Alrededor, permanecen las ruinas de bares, escuelas, hoteles y casas de los vecinos del pueblo francés, que en 1944 sufrió uno de los acontecimientos más tristes y violentos de la historia. El 10 de junio de ese año, cuatro días después del desembarco de Normandía, una división de las Wafen-SS alemanas asesinó a toda la población de Oradour-sur-Glane, con un total de 643 víctimas. Sus calles y edificios quedaron completamente en ruinas.

 
Según el testimonio de los pocos civiles que sobrevivieron, los militares reunieron a todos los hombres en la plaza del mercado, donde fueron asesinados con metralletas, y encerraron a mujeres en la iglesia, que dinamitaron e incendiaron. La unidad de las SS permaneció en el pueblo hasta el día 13, tres días en los que acabó con la vida de todos los vecinos y arrasó con sus edificios.


Oradour-sur-Glane

Aunque Oradour-sur-Glane no tenía ninguna implicación directa con la guerra y era irrelevante desde el punto de vista militar, sufrió uno de los episodios más violentos en manos de las tropas alemanas, quienes querían aterrorizar a la oposición de la población civil y la acción de los partisanos y guerrilleros, agrupados en Francia.

 

Con el fin de la guerra en 1945, Oradour-sur-Glane permaneció intacto como "pueblo mártir", pues el general Charles de Gaulle ordenó que no se reconstruyera "para que nunca más se produzca una desgracia semejante". Un año después, se convirtió en Monumento Nacional.


Oradour-sur-Glane

Ubicado cerca de la ciudad de Limoges, en la actualidad se ha convertido en un símbolo que puede visitarse gratuitamente. Varias imágenes y paneles informativos narran los hechos y permiten contextualizar la masacre dentro de la Segunda Guerra Mundial. 

Los carteles que invitan a hacer silencio comparten espacio con placas conmemorativas que cuelgan de las paredes en ruinas del pueblo, y que recuerdan a los vecinos del pueblo. En la iglesia, una campana fundida es el símbolo del horror de la matanza de Oradour.


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EL ÚNICO MONASTERIO DE SUIZA QUE ES PATRIMONIO DE LA HUMANIDAD
La abadía de St.Gallen atesora la históricamente conocida como «la biblioteca de Europa», suntuosa, rococó y considerada una de las más antiguas de Europa.

Asun Luján
Periodista Redactora Senior de Viajes National Geographic

ACTUALIZADO A 05 DE JUNIO DE 2024

Los orígenes de la localidad de St. Gallen se remontan al año 612 cuando un monje de origen irlandés, Galo, eligió para su retiro espiritual un rincón excavado en la roca de la zona, tras recibir lo que él consideró «una señal divina». En la actualidad, aquel enclave que nació como un eremitorio aislado se ha convertido en la mayor ciudad del este de Suiza donde se atesora una abadía con una de las bibliotecas más artísticas de Europa




st gallen

TODO EMPEZÓ CON UN TRONCO Y UN OSO
La leyenda cuenta que el eremita iba caminando cuando cayó en una zanja y vio su vida amenazada por un oso al que ahuyentó con un tronco. Interpretando que «aquello era una señal divina», decidió asentarse en aquel lugar y usar el tronco para empezar a erigir un refugio en las rocas donde cobijarse. Ya fallecido el monje, la veneración al asceta fue sumando devotos con el tiempo, por lo que un siglo después, el año 747, se decidió construir una abadía benedictina que pronto se convirtió en un lugar de peregrinaje y centro de eruditos. Hoy el monumento está declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco por su valor histórico y artístico y la belleza de su abadía y biblioteca, que se suman al valor arquitectónico de la magnífica catedral erigida junto al recinto monacal en 1847, en pleno centro medieval.



St Gallen

UNA BIBLIOTECA QUE ES UNA JOYA
Aunque gran parte de la abadía fue destruida durante los años de la Reforma protestante, su magnífica biblioteca se salvó de forma milagrosa. Su sala central fue realizada por Peter Thums entre 1758 y 1767, siendo hoy considerada una obra maestra del rococó centroeuropeo. Contiene más de 170.000 libros y documentos, destacando una valiosa colección de manuscritos de los siglos VIII al X. Sin embargo, solo unos 30.000 quedan a la vista, ya que el resto se esconden y protegen tras los paneles de madera de las paredes. La decoración de la biblioteca muestra estanterías, esculturas, querubines, suelos de madera en taraceas y un techo decorado con estucos y trampantojos.


St Gallen

LA MAJESTUOSA ABADÍA DE ST. GALLEN
Este monumento situado en pleno casco histórico de la ciudad suiza es uno de  los ejemplos más magníficos de arquitectura barroca del país. Se eleva sobre un patio lleno de fuentes, pero el recinto no solo abraza el cenobio. Con el tiempo ha añadido la catedral barroca adosada, la bellísima Stiftsbibliothek que es la biblioteca más antigua que se conserva en Suiza y un enigmático lapidarium con vestigios arqueológicos. De la abadía original fundada el año 747, y que vivió su esplendor en los siglos IX y X, solo queda la cripta con las tumbas de los monjes que la habitaron. Pero sus cimientos dieron paso a un recinto monacal que se fue ampliando con dependencias hasta alcanzar en 1767 su aspecto actual.


st Gallen

UNA CATEDRAL ABACIAL
Este templo vecino a la abadía de St. Gallen se alza hoy precedido por las dos torre gemelas de sus esbeltos campanarios. En el interior amplio y luminoso destacan los techos decorados con frescos de Josef Wannenmacher, el coro con sillería barroca de madera labrada, el altar Mayor, el púlpito adornado con la figuras de los Evangelistas y ángeles, y hasta 16 confesionarios barrocos decorados con medallones.



st gallen

OTROS ENCANTOS DE ST. GALLEN
San Galo es hoy una ciudad universitaria y cultural, llena de teatros y museos. La Plaza del Mercado es el corazón de la villa desde la Edad Media. Hoy está rodeada de bellos edificios construidos en los siglos XVII y XVIII, cuyas fachadas lucen bellas pinturas. Esta localidad prosperó en el siglo XIX en el contexto de Europa gracias a la industria textil. Sobre esa época habla el Textilmuseum, exhibiendo además maquinaria, documentos y tejidos antiguos procedentes de lugares lejanos, como los procedentes de tumbas coptas de Egipto o delicados encajes y bordados flamencos. La muestra de este museo también alude a aspectos sociales de aquella época, así como de los diseños entonces de moda. El Museo de Historia se centra en el pasado y los habitantes de esta zona.


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EL MEMORIAL QUE CONMEMORA EL DÍA D EN UNA PLAYA DE NORMANDÍA
La obra, conocida como Les Braves, representa unas alas de la libertad surgiendo de la arena y el mar.

Aitana Palomar S.
Periodista de Viajes National Geographic

ACTUALIZADO A 07 DE JUNIO DE 2024 · 10:35


El 6 de junio de 1944 tuvo lugar, en las playas del norte de Francia, uno de los episodios más determinantes de la Segunda Guerra Mundial: el desembarco de Normandía, una operación militar llevada a cabo por los Aliados para recuperar el territorio francés que había sido ocupado por la Alemania nazi. Durante los cinco días que se prolongó el desembarco, las tropas aliadas sufrieron un auténtico baño de sangre, sin embargo, el coraje y la determinación de los soldados británicos, estadounidenses y canadienses que participaron en la ofensiva cambió para siempre el rumbo de la guerra.
 
 Uno de los lugares clave del desembarco de Normandía fue la playa de Omaha, un amplio arenal de 8 kilómetros –bautizado así por los soldados estadounidenses– situado frente al Canal de la Mancha. En este escenario desembarcaron, la madrugada del 6 de junio, 34.250 hombres, de los cuales murieron 2.500 aproximadamente en el primer día de la operación, también llamado el día D.


Playa de Omaha

HOMENAJE A LOS VALIENTES
El 5 de junio de 2004, con motivo del 60 aniversario de este episodio histórico, se instaló en el centro de la playa de Omaha la evocadora escultura Les Braves de la artista francesa Anilore Banon, que recuerda y rinde homenaje a los soldados caídos durante el desembarco. "Cree una escultura para honrar el coraje de los hombres, hijos, esposos y padres que pusieron en peligro y a menudo sacrificaron sus vidas con la esperanza de restaurar la libertad del pueblo francés", explicó Banon.

 

La escultura, de 9 metros de alto, 15 de largo y un peso de 15 toneladas, está compuesta por tres elementos. El primero son Las alas de la esperanza, creadas para que el espíritu que se llevó a los hombres que murieron el 6 de junio de 1944 siga inspirando a la gente y nos recuerde que juntos siempre podemos cambiar el futuro. El segundo es ¡Levántate, libertad!, una estructura central inspirada en el ejemplo de quienes se levantaron contra la injusticia, para ayudarnos a permanecer firmes contra la inhumanidad. Por último estánLas alas de la fraternidad, compuestas para recordarnos nuestra responsabilidad hacia los demás y nosotros mismos.


La ubicación de Les Braves, en plena orilla de la playa, hace que parte de la escultura quede sumergida por las olas cuando sube la marea y que, contrariamente, la estructura luzca en todo su esplendor cuando las aguas bajan. Con este poético juego Anilore Banon pretende recordar a las nuevas generaciones a las personas que murieron en Omaha en defensa de la tolerancia y la libertad ya que, tal y como asegura la artista, "esculpir es grabar en el corazón de las personas el espíritu de la esperanza".


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LA IDÍLICA PLAYA DE MALLORCA CONVERTIDA EN UN LIENZO DE 'STREET ART'
Los búnkeres de ametralladora que persistían dispersos en la playa de Es Trenc se están recuperando para que hoy convivan de forma más digna con esta reserva natural.

Asun Luján
Periodista Redactora Senior de Viajes National Geographic

ACTUALIZADO A 08 DE JUNIO DE 2024

Los nidos de ametralladora que hay dispersos por la playa de Es Trenc se están recuperando con una nueva apuesta artística que sorprende en este edén del sur de Mallorca. Todo comenzó hace una década, cuando el colectivo de artistas Boa Mistura decidió utilizar los búnkers militares medio olvidados que salpicaban este litoral para difundir mensajes y atraer con sus trabajos a los aficionados al street art. Aquella iniciativa supuso un cambio estético evidente en este solitario rincón mallorquín y el inicio de la rehabilitación de aquel patrimonio semienterrado.

 
UN OASIS DE ARTE
La playa infinita de Es Trenc es un paraíso natural intacto que pervive en el sur de Mallorca, un extenso arenal asilvestrado abierto a un Mediterráneo de aguas claras color turquesa, grandes dimensiones y sin urbanizar. Las mismas características que hoy hacen de este litoral mallorquín un rincón idílico, en tiempos bélicos lo convertían en peligroso por lo abierto de su bahía en una costa aislada y solitaria, por la que atacantes e invasores podían acceder fácilmente. Ese fue el motivo por lo que a mitad del siglo XX se decidió que este enclave de 3 km de longitud y 20 m de ancho fuera protegido con nidos de metralleta militares para ser defendidos en caso de desembarco.



ATALAYAS OLVIDADAS
En toda la costa del municipio de Campos, pero principalmente en la playa de Es Trenc, perviven antiguos búnkeres militares semienterrados, la mayoría hoy abandonados y silenciosos. En realidad parecen mirar estoicamente silenciosos hacia el horizonte que un día fue amenazador en esta playa, hoy solo invadida en ocasiones por hojas de posidonia oceánica. Aunque se atribuían a la guerra civil española, lo cierto es que fueron construidos durante la II Guerra Mundial como medio de defensa en caso de que alguna vez se produjera algún intento de desembarco. Por fortuna nunca se les dio uso.


En la actualidad, los bañistas de Es Trenc se han acostumbrando a que su playa sea una galería salpicada de obras con mensaje de street art. Los lienzos en blanco son aquellos antiguos búnkeres de armas que perviven frente al mar, hoy remodelados y encalados. La forma de acceder a esta playa situada 9 km al sur del municipio de Campos al que pertenece es por la zona de Ses Covetes, siguiendo una calle de arena con suave pendiente, o desde el aparcamiento de Ses Arenes.


RESERVA DE ES SALOBRAR DE CAMPOS
La preservación de este paraje natural requirió de tiempo y paciencia, pero el resultado fue su catalogación el año 2016 como el espacio protegido de Es Salobrar de Campos. En sus 1.500 hectáreas, este bello arenal convive con otros ecosistemas como dunas, pinares y matorrales mediterráneos y pequeños humedales y salinas en la zona interior de la playa, como el citado Salobrar del que se extrae la afamada sal de Es Trenc. El valor natural de este espacio hace que fuera de temporada alta sea fácil ver a aficionados a las aves que, portando prismáticos, se acercan para ver cuántas especies avistan de las 170 que recalan en sus marismas.



UN LEGADO RESUCITADO
Durante décadas, las moles defensivas que perviven en Es Trenc estuvieron abandonadas, se podría decir que hasta desubicadas en este edén natural solitario la mayor parte del tiempo o rodeadas de bañistas que las ignoran cuando llega el verano. Fue así hasta que hace una década, un colectivo de artistas urbanos impulsó el proyecto de recuperarlas para plasmar sus obras. La idea inicial fue pintarlas de blanco brillante de manera respetuosa con el entorno de la playa, y así posteriormente plasmar en sus muros palabras y dibujos. El proyecto, chocante al inicio, fue aceptado. Hoy existe un control para que las obras sean de buen gusto, denunciando cuando los búnkeres sufren actos de vandalismo o tienen mensajes fuera de lugar, pasando entonces a ser protegidos por las autoridades costeras.



PIONEROS EN ES TRENC
Los Boa Mistura («buena mezcla») son un colectivo de arte urbano nacido a finales de 2001 en Madrid y en la actualidad formado por algo más de medio centenar de artistas. Su trabajo se desarrolla en espacios públicos, a menudo recuperando enclaves degradados, y su objetivo es llenarlos de obra gráfica. Generalmente emplean el lenguaje escrito. En el caso de la playa de Es Trenc, en la primera edición se escribieron fragmentos de un poema en catalán del mallorquín Miquel Costa i Llobera, como «tan dulce es vivir, ver y sentir». En la actualidad las muestras de street art continúan y se han extendido a otros escenarios del municipio con la iniciativa ArtNit Campos, que en la edición del 2024 se celebrará el 2 de agosto.


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LA ALDEA DE JAPÓN DONDE SE CONCENTRAN LAS LUCIÉRNAGAS AL LLEGAR EL VERANO

Estos pequeños seres luminosos aparecen solo a determinadas horas y bajo unas condiciones climatológicas estrictas.

Mari Carmen Duarte
Colaboradora de Viajes National Geographic

ACTUALIZADO A 10 DE JUNIO DE 2024


En el pequeño pueblo de Nishiawakura, en la prefectura de Okayama, se da un fenómeno natural durante varias semanas de julio. La himebotaru (o hemi), una especie de luciérnaga endémica de Japón, se diferencia de otras por vivir en los bosques. El 93% de la ciudad está cubierta de montañas donde los cedros se alzan al cielo en el bosque natural Wakasugi, lo que lo convierte en el lugar perfecto de residencia de estos animales.

A diferencia de la luciérnaga genji, - que pueden verse de mayo a junio - y la luciérnaga heike, la luciérnaga hime es una luciérnaga terrestre cuyas larvas viven en la tierra, y comúnmente se la llama luciérnaga Mori o Kinbotaru debido a su pequeño tamaño y su destello intermitente de luz de un color dorado intenso. Al contrario de otras que prefieren el agua, ellas suelen vivir en bosques de bambú, santuarios, cementerios y bosques de montaña.

En el pueblo de Nishiawakura viven en las faldas de las montañas y en plantaciones bien cuidadas. En particular, son las que se sitúan alrededor de la estación de esquí de Ogaya y el bosque natural de Wakasugi, sus hábitats más famosos. Su aparición suele durar solo desde la segunda semana de julio hasta la última, pero la forma en que brilla en su punto máximo es tan mágica que se describe normalmente como una alfombra de luz.


Luciérnagas Japón
Para verlas, es importante seguir una serie de indicaciones y ser totalmente respetuosos con el entorno. Algunos de los consejos más comunes es acercarse a la estación de esquí o al campamento Omoya, en el bosque de Wakasugi, y llegar antes del atardecer para poder encontrar aparcamiento si se va con vehículo.

Además, es importante saber que no aparecen durante toda la noche, sino durante muy poco tiempo, normalmente justo cuando anochece, durante una hora. Suelen ser los días más húmedos y calurosos, con nubes y sin viento, en los que asoman. Para una correcta observación, es importante no entrar en zonas de hierba ni río, por la posibilidad de aplastarlas, ni encender ningún tipo de luz o hacer ruidos que puedan espantarlas.


Luciérnagas Japón

PROTECCIÓN DE LAS LUCIÉRNAGAS
Las luciérnagas siempre han sido objeto de veneración en Japón. No solo existen canciones en su honor, sino que en el periodo Edo, muchos artistas representaban escenas de luciérnagas y personas que intentaban tocarlas. junto a la observación de cerezos en flor y de la luna, ir a la caza de estos espectáculos de luz ya es todo un acontecimiento en la cultura nipona.

Por otro lado, la presencia de estos seres también es garantía de un ecosistema sano. La contaminación de los ríos imposibilita su supervivencia, por lo que Okoyama decidió sensibilizar a la población sobre cómo protegerlas y cuidar el medioambiente.

Se han creado mapas de vuelo de luciérnagas dentro de la prefectura y algunos lugares son designados como monumento natural por ser zonas de cría y de hábitat de estos animales. De hecho, se están empezando a crear "aldeas de luciérnagas" para fomentar el crecimiento y la aparición natural de estos insectos luminiscentes.


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LAS PINTURAS RENACENTISTAS QUE AÚN OCULTA LA ALHAMBRA
El Peinador de la Reina fue una de las estancias más privadas creadas en época de reyes para las consortes cristianas.

Asun Luján
Periodista Redactora Senior de Viajes National Geographic

ACTUALIZADO A 11 DE JUNIO DE 2024

Las estancias del Peinador de la Reina fueron un oasis de época renacentista destinado a las reinas cristianas que residieron en la Alhambra. Más allá de los palacios de época nazarí, el paso del tiempo y los usos posteriores que tuvo el monumento dieron paso a espacios remodelados como los que se exhiben en esta torre decorada con pinturas al fresco que servían para embellecer y a la vez entretener en estos refugios femeninos.



ALHAMBRA

UN EDÉN DE ÉPOCA NAZARÍ
La visita a este monumento granadino Patrimonio de la Humanidad depara sorpresas como la contemplación de exquisitos palacios y patios fragantes. El conjunto, enmarcado por las laderas de Sierra Nevada, lleva siglos siendo fuente inagotable de leyendas e inspiración para artistas de todas las épocas. La Alhambra fue fruto de la alquimia que transformó la roca en vergel. Las obras que se iniciaron en el siglo XIII convirtieron aquel enclave pedregoso en un oasis. Se alzaron palacios, se rellenaron barrancos, se canalizó el agua del río Darro para regar los jardines, se plantaron jazmines, arrayanes, rosaledas, cipreses y árboles frutales, y se abrieron patios con fuentes refrescantes.

RENACIMIENTO ENTRE TESOROS MUSULMANES
Cuando los reyes cristianos tomaron posesión de la Alhambra adecuaron muchas estancias y jardines a los cánones de la época y de su cultura. Coincidió con el inicio de la construcción en la misma colina del magnífico Palacio de Carlos V, creado para mostrar la magnificencia del Sacro Imperio Romano Germánico. Aquellos delicados palacios empezaron a ser acomodados a los gustos renacentistas y costumbres cristianas, remodelando aquel antiguo edén de príncipes nazaríes para alojar en sus visitas al emperador Carlos V e Isabel de Portugal.


Alhambra

EL SPA DE LAS REINAS CRISTIANAS
En su origen, la Torre de Abu l-Hayyay, desde la que se domina todo el valle del río Darro, formaba parte del palacio nazarí y tenía uso defensivo. Se situaba junto al Patio de Lindaraja, de clara fisonomía claustral y antesala a los Baños de Comares, que servían de vestuario. Estos, al servicio exclusivo del sultán, su familia e invitados, fueron construidos en tiempos de Yusuf I siguiendo el modelo de las termas romanas: con una sala de agua fría, templada y otra de vapor. El Patio de Lindaraja se comunicaban con las estancias del Peinador de la Reina y la sala de Camas. Se llegaba hasta él por un adarve cubierto que corre bajo el Salón de los Embajadores.

 

El emperador Carlos V decidió situar allí los aposentos de belleza y reposo de su esposa y el séquito que la acompañaba. Así, en los años treinta del siglo XVI, nació esta estancia destinada a peinador, también tocador y Mirador, situada en la parte superior de la torre nazarí Abu I-Hayyay de la Alhambra. El nombre con el que hoy se conoce de Peinador de la Reina fue dado en épocas posteriores al acoger a las reinas Isabel de Borbón (1624) e Isabel de Farnesio (1730).



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FOTO: Mº ISABEL PUERTO
DECORACIONES AL FRESCO
El Peinador de la Reina está formado por tres espacios: una sala de Estufas, una Linterna que permitía la entrada de luz y una Galería exterior, esta influenciada por las loggias de los palacios italianos renacentistas. Un arco de medio punto enlazaba el Peinador con lo que anteriormente fue una linterna árabe. El espacio está cubierto de pinturas al fresco, realizadas probablemente entre 1539 y 1546.

 

A la derecha de la entrada se conserva una losa de mármol con agujeros por donde salía el perfume de esencias quemadas en una chimenea de la habitación inferior, por lo que también era llamada «la torre de la estufa». La muralla alcanzaba el alféizar de los balcones del Peinador, pero, tras ser destruida en 1831, se reconstruyó con menor altura. Durante las obras se descubrió una escalera secreta que baja por la torre y termina en el bosque situado a sus pies. Y es que, más allá de los aromas y el deleite de los monarcas de contemplar las pinturas, estaba el admirar las vistas que se abren al barrio del Albaicín.


FOTO: Mª ISABEL PUERTO
PINTURAS COMO CRÓNICAS DE LA ÉPOCA
Los murales que decoran el Peinador de la Reina están considerados uno de los máximos exponentes pictóricos del Renacimiento en España. Fueron pintados entre 1539 y 1545 por los artistas de procedencia italiana Julio de Aquiles y Alexander Mayner. Los frescos representan victorias bélicas como la de la campaña de Carlos V a Túnez de 1535. También se pueden contemplar alegorías de las Virtudes o fábulas de Faetón. Dioses paganos como Júpiter rey de los dioses como metáfora del poder del Emperador o Diana diosa de la caza y naturaleza como significado a los gustos de recreo de Carlos V son otras temáticas. Asimismo se encuentran figuras como águilas bicéfalas símbolo del Sacro Imperio Romano Germánico.



EL OTRO REFUGIO FEMENINO DEL REINO
Desde los palacios de época nazarí, un sendero con vistas al barrio granadino del Sacromonte conduce al coqueto palacio de El Partal, rodeado por jardines añadidos en el siglo XIX. Se extienden hasta la explanada de la Torre de las Damas, el lugar donde se reunían las mujeres que vivían en la Alhambra. El edificio tiene un pórtico con cinco arcos que se reflejan en un estanque. Una escalera conduce a un mirador superior.


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LA CATEDRAL QUE ESCONDE UNA CRIPTA BAJO EL MAR
Muchos aseguran que al tocar las paredes del templo se puede sentir el movimiento de las olas.

Aitana Palomar S.
Periodista de Viajes National Geographic

ACTUALIZADO A 12 DE JUNIO DE 2024


El 3 de mayo de 1717, día de la festividad de la Invención de la Santa Cruz, se puso la primera piedra de lo que acabaría siendo el gran templo de Cádiz, la catedral de la Santa Cruz sobre las Aguas. Hizo falta más de un siglo, en concreto, 116 años, para completar la obra de esta inmensa estructura construida a pocos pasos de la orilla, dando, para algunos, la sensación de que emergía del propio océano Atlántico; de ahí su nombre.

La construcción de esta catedral estuvo motivada por la intención de mostrar el esplendor económico, político y cultural que vivió Cádiz durante el siglo XVIII. El proyecto se le encargó primero al famoso arquitecto Vicente Acero, quien ideó un rompedor diseño en el que se aunaban la tradición y la modernidad, conjugadas bajo una apariencia barroca de grandes dimensiones. Sin embargo, Vicente acabó abandonando el proyecto, cansado de los comentarios y burlas de otros arquitectos, que aseguraban que era imposible llegar a construir la catedral que él había diseñado.


Catedral de Cádiz
MÚLTIPLES ESTILOS Y MATERIALES
A esta ruptura le siguió una etapa en la que varios arquitectos asumieron la dirección de la obra: primero, Gaspar Cayón y su sobrino Torcuato, después Miguel Olivares, luego Manuel Machuca y, por último, Juan Daura. Con el paso de los años, no solo cambió el estilo arquitectónico del proyecto –transitando del barroco y rococó al neoclasicismo–, sino también la situación de Cádiz, cuyo descenso económico se vio reflejado en la piedra utilizada para construir la catedral de Santa Cruz sobre las Aguas.

 

El impecable mármol blanco con el que se edificaron los cimientos fue sustituido por piedra ostionera –una roca endémica de Cádiz, muy porosa y con restos de conchas– y piedra caliza, dos materiales más humildes. De esta manera, quedó una catedral con una fachada de diversos colores, reflejo de la historia de su construcción a lo largo de más de un siglo. En noviembre de 1838 la obra finalizó y los gaditanos pudieron, al fin, tener su ansiado templo, reflejo del poder de la ciudad sobre el Atlántico.


UNA CRIPTA BAJO EL MAR
Santa Cruz sobre las Aguas no solo es el gran tesoro artístico de Cádiz, su joya cultural e histórica, sino también un lugar repleto de curiosidades y leyendas. Una de las más admiradas es que la catedral posee una magnífica cripta situada bajo el mar, es decir, por debajo del nivel del agua, en el subsuelo de la edificio.

 

Construida por Vicente Acero entre 1730 y 1732, la cripta sorprende por su bóveda circular prácticamente plana, hecha de piedra ostionera. Algunos aseguran que, al tocar las paredes de la cripta, se pueden sentir la fuerza y el movimiento del oleaje que choca contra el edificio, acariciando las paredes del templo que lleva su nombre. En este espacio, además, están enterrados dos de los gaditanos más ilustres: el compositor Manuel de Falla y el escritor José María Pemán.

 

Otro dato curioso de la catedral es que en su interior se guarda la custodia procesional más alta de España (de los siglos XVI y XVII), que pesa más de 390 kg y mide 5,47 metros de altura. Bajo su alto techo también se encuentra el Ecce Homo de la Capilla de San Sebastián, la primera obra documentada de Luisa Roldan, una de las mayores artistas del barroco andaluz. De ahí que visitar Santa Cruz sobre las Aguas sea una oportunidad para descubrir no solo una de las grandes joyas arquitectónicas de Cádiz, sino también rica historia de la ciudad.


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EL ÚNICO VOLCÁN DE ISLANDIA QUE SE PUEDE VISITAR POR DENTRO
Una experiencia que demuestra que Islandia es uno de los destinos geológicos más impresionantes del planeta.

Sandra Martín
Subdirectora de Viajes National Geographic

ACTUALIZADO A 13 DE JUNIO DE 2024

El volcán Thrihnukagígur, a solo 20 km de Reikiavik, es uno de los pocos del mundo en los que los curiosos pueden explorar. Una visita guiada hace posible descender 120 metros en dirección a su corazón, la cámara magmática que, aunque lleva 4000 años inactiva y sin idea de despertar, es toda una caja de sorpresas para aquellos que amen la geología y la belleza de los paisajes que regala la Tierra.



VOLCÁN
INSIDE THE VOLCANO
ÚNICO EN EL MUNDO
Thrihnukagígur se eleva en medio del Parque Natural Bláfjöll o de las Montañas Azules, un extenso terreno volcánico situado a apenas 20 km al sur de la capital de Islandia. Este país insular, anclado en el Atlántico Norte y famoso por sus cascadas, glaciares y volcanes, es una de las regiones del mundo con mayor actividad geológica. Algo que no resulta extraño cuando se conoce que se localiza en el punto donde coinciden las placas tectónicas Euroasiática y Norteamericana, cuya separación es perfectamente visible en Thingvellir, uno de los enclaves del famoso Círculo Dorado, con su puente.

 

La experiencia del Thrihnukagígur es única, en primer lugar porque no se trata de un cráter a cielo abierto como pasa en otros puntos de la isla, sino de un volcán que se visita en vertical y bajo tierra. El descenso por sus entrañas alcanza los 120 metros de profundidad y permite caminar por su cámara magmática, el enorme espacio donde la lava caliente se embalsa antes de salir expulsada durante una erupción. Normalmente, la lava se enfría y cierra el cráter, algo que aquí no sucedió probablemente porque la lava se filtró tierra adentro.


EL CRÁTER DE TRES PICOS
El tour Inside the Volcano empieza en el centro de información de Báfjöll (accesible dede Reikiavik en los autobuses Gray Line Iceland) con una caminata de unos 50 minutos a través de un inmenso campo de lava, pedregoso, con algunas manchas de musgo y sin un solo árbol a la vista. El objetivo son las tres colinas que dan nombre al volcán, pues Thrihnukagígur significa justamente "el cráter de tres picos". El sendero se sigue en compañía de un guía geólogo que va explicando a los participantes las particularidades del terreno islandés y, en concreto, de este volcán.

 

Al llegar a la boca del cráter, es hora de ponerse los cascos con linterna y el arnés para sujetarse a la barandilla de la plataforma que desciende por el volcán. Durante los seis minutos que dura la bajada es posible contemplar las formaciones y los colores de la roca que forran el interior de la chimenea volcánica. La media docena de pasajeros del montacargas pueden contemplar con calma un mundo subterráneo que Julio Verne habría matado por ver. Si se echa un vistazo hacia abajo, el espacio se ensancha como el de una botella, abriendo un hueco en el que cabrían tres campos de baloncesto en horizontal y la estatua de la Libertad en vertical.

 

La plataforma aterriza en la base de la cámara magmática, a 120 metros de profundidad, aunque una serie de túneles no abiertos al público descienden 200 más. Después de las explicaciones del guía, los visitantes tienen unos 30 minutos para deambular libremente o bien, inmóviles, mirar a su alrededor y hacia arriba: el agua se filtra por las paredes o cae en forma de gotas desde la boca del cráter, los focos iluminan rocas de color amarillo, violeta, azul, rojo... Parece un escenario teatral, pero no, es real.




VIAJE (DE VUELTA) DEL CENTRO DE LA TIERRA
El viaje de vuelta otra vez en el ascensor se disfruta con más intensidad. La vista busca detalles, recovecos y colores que la excitación no ha dejado detectar durante el descenso inicial. Una vez en el exterior, de nuevo expuestos al viento del campo islandés, el grupo regresa al centro de información para recobrar el calor con una sopa de carne islandesa. Si Julio Verne se la hubiera imaginado no habría acabado su viaje al centro de la tierra en el siciliano volcán Etna.


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